Новости

Дело жизни — гример

Театр — это не только актеры, режиссеры и драматурги, но и огромная невидимая работа самых разных специалистов. В статье мы рассказываем о труде гримера, а помогает нам разобраться в этом ремесле Марина Тимичева. — С чего начинается работа над образом? — С площадки. Чтобы понять концепцию спектакля, персонажей, я присутствую на читках и репетициях. Затем мы обсуждаем тематику спектакля с актерами. И только потом, уже зная и понимая персонажа, я начинаю создавать грим. Моя задача — сделать так, чтобы внутреннее содержание образа гармонировало с его внешним обликом. — Актеры всегда доверяют вашему варианту образа? Или вы находитесь в сотворчестве? — Доверие — это процесс, который требует времени и терпения. От этого зависит успех сотрудничества в любом творческом коллективе. Поэтому я и посещаю репетиции — нахожусь внутри труппы. А насчет отказа от грима… Нет, такого не было в моей практике. А вот доработки, какие-то мелочи — это да. Так и должно быть. Актер знает своего персонажа и может подсказать детали образа. — Над гримом каких спектаклей вам интереснее работать? — Для меня это самые творческие спектакли. В «Шинели» это состаривание, эффект седины на натуральных волосах и очень интересная светотеневая работа по гриму. «Чехов. Маленькие комедии» — это отдельная любовь. Там и состаривание, и усы, и бороды. Один из моих любимых моментов — сцена, когда во время спектакля актера обливают якобы кипятком, он уходит за кулисы и спустя время возвращается с гримом ожога. И я всегда люблю смотреть на реакцию зрителей — она вдохновляет. — Расскажите о разнице в работе театрального гримера и киногримера? — Казалось бы, гример и там и там, одинаковая работа, но это не совсем так. Театральный грим и грим кино — это два разных направления. Самое главное отличие театрального грима в том, что он должен быть виден издалека. Он яркий, контрастный, позволяет считать черты лица и особенности персонажа. Возможно, вы слышали фразу «накрашен по-театральному»? Это значит грубо. В театральном гриме не обязательны какие-то мягкие, плавные тушевки в кожу, в нем практически незаметны мелкие погрешности. Чаще всего мы применяем традиционные техники и материалы, которые в киносъемке не очень котируются. Если говорить о кино, здесь важно сделать макияж безупречным. То есть у нас обязательно будут плавные тушевки, тонкие текстуры а-ля макияж без макияжа. Киногрим должен выглядеть естественно, особенно на крупном плане. Это очень тонкая работа, где важна реалистичность. Здесь уже разные мелкие погрешности будут видны, так как современные камеры улавливают все нюансы. — Расскажите о своей работе в фильме «Агитбригада». — Один из самых больших проектов в моей жизни! Колоссальная подготовка — я была на связи с режиссером 24 на 7. Ведь от меня требовалось не пропустить ни одну деталь современности в кадр. Если вы сравните отснятый материал тех времен, то увидите, что лица сильно изменились. В этом фильме как раз нужно было убрать всю эту современную холеность — например, тот же татуаж. В создании образов персонажей я ориентировалась на фотографии того времени, документальное кино, хроники… Это палочка-выручалочка в моей работе. У нас был персонаж шофер, для грима рук которого мы использовали грязь. Так вот, это была не обычная, уличная грязь, а специально созданная мной — кропотливо, зимними вечерами, из подручных средств. Текстура должна была выглядеть максимально реалистично в кадре. Казалось бы, незначительная деталь, а на самом деле очень важная. Ну и конечно же, это работа на площадке, в том числе и на улице, где нужно следить за гримом и контролировать прически. Задач было много. Считаю, мы отлично справились. Очень горжусь проделанной работой и нашей командой. Всем благодарна за этот опыт. Было очень круто! — Вы часто говорите о работе с париками и накладными усами. Расскажите подробнее. — Существует такая профессия — постижёр. Это человек, который создает парики, шиньоны, усы и даже ресницы из искусственных и натуральных волос, занимается их реставрацией и уходом. Это специалист, я бы сказала, узкопрофильный. Впервые с этим ремеслом я столкнулась, когда меня пригласили гримером на съемки фильма «Ангелы революции» Алексея Федорченко. У меня была замечательная наставница, которая научила работать с париками, усами, бородами, ухаживать за ними, реставрировать и поделилась профессиональными секретами. Скажу так, это достаточно сложная работа, которая требует определенных знаний, усидчивости, колоссального терпения и, главное, любви к своему делу. Ну а сейчас я с удовольствием использую эти знания в нашем театре. — Изготавливали ли вы сами какой-нибудь парик или накладные усы? — Да, в студенческие годы, когда я училась на гримера, у нас было несколько занятий, посвященных именно постижу. Так вот, мы собирали усы с помощью специального постижёрного крючка. Признаюсь, достаточно кропотливая работа, долгая. Со множеством нюансов. Мало собрать усы, да и вообще какой-то предмет постижа, после сборки его еще нужно довести до ума. А здесь требуются навыки владения парикмахерским искусством, так как окончательный этап — это подравнивание ножницами лишних волосков и придание прическе нужной формы. У нас в Театруме достаточно много постановок, где мы используем парики, шиньоны, накладные волосы, усы, бороды и даже брови! Сделать из каре длинные волосы, изменить стрижку парику, поменять форму бровей и многое другое — вся магия творится у нас в гримерном цехе. Мне интересно наблюдать, как актер реагирует на изменение образа, а зритель — на перевоплощение. Зачастую зрители даже не догадываются, что у актера накладные волосы или усы. Каково бывает их удивление — это бесценно. Работа постижёра заключается не только в подготовке к спектаклям, где мы создаем образ персонажа, используя постиж. После спектакля все постижерные изделия нужно приводить в порядок: чистить, убирать клей, завивать, реставрировать. Так они прослужат дольше. — Какой ваш самый неожиданный источник вдохновения? — Вдохновение я нахожу буквально во всем. Это может быть какой-то узор, или платье, или даже растение. Да что угодно… Просто я уже привыкла смотреть вокруг, замечать подробности мира. И что-то либо цепляет, либо нет. То есть вдохновение может прийти от чего угодно. Профессия гримера — это постоянный поиск, внимание к миру и работа с деталями.

В театре возможно все: интервью с режиссером спектакля «451 градус по Фаренгейту» Людмилой Исмайловой.

О чем постановка в большом смысле этого слова? Какую книгу режиссер бы спас от огня в первую очередь? На эти и другие вопросы отвечает Людмила Исмайлова — режиссер спектакля «451 градус по Фаренгейту». — Всегда интересно послушать, как режиссер выбирал материал для постановки. Расскажите, почему решили воплотить «451 градус по Фаренгейту»? — Режиссер, конечно, по-разному выбирает материал для постановки, но в данном случае его предложил сам театр. Я посчитала, что это необычное репертуарное решение, честно сказать. «451 градус по Фаренгейту» редко ставят. Фантастика вообще не очень популярный жанр в театре, постановочно сложный, но от этого не менее интересный. Понятно, что это и социальная антиутопия, но все-таки «451 градус по Фаренгейту» — фантастика. А русский психологический театр, видимо, не совсем предполагал работу с таким жанром, все-таки именно для театра это новый жанр. — В произведении Рэя Брэдбери есть пожарные машины и пламя огня, механический пес и река. Как создавали на сцене эти образы? — Театр — это не реализм, даже не кино, так что здесь любое пространство можно решить разными художественными способами. В театре возможно все. И вообще, все то, что вы перечислили, в работе оказалось не самым сложным. — В романе есть сильная сцена: героиня жертвует жизнью, но не отдает пожарным Библию. Если бы в руках женщины было художественное произведение, то какое? — В нашем спектакле женщина держит Шекспира, а не Библию, поскольку религиозных мотивов у нас нет. Вообще, есть же версия, будто бы у Брэдбери в этом произведении имеются религиозные аллюзии: мол, на самом деле герой погиб, проплыл по реке мертвых, попал в рай и встретился с высокодуховными людьми, которые наизусть знали все книги. Подозреваю, что в таком контексте имелись в виду святые. В нашей же инсценировке никаких религиозных мотивов нет, поэтому, повторюсь, женщина держит Шекспира. — Вопрос юной Клариссы навсегда изменил жизнь главного героя произведения — Гая Монтэга. Поделитесь, был ли такой вопрос/утверждение/цитата в вашей жизни? — Знаете, я никогда не жила в таких иллюзиях, в каких жил главный герой. Он существует в комиксе, в придуманном, нарисованном мире, при этом долгое время даже не замечает этого. Правда, потом этот комикс начинает облупляться и встретиться с реальным миром приходится… И все-таки я не жила в комиксе с самого детства, никогда не была какой-то восторженной, соответственно, вопросу или цитате не под силу выбить почву из-под моих ног. — О чем, в большом смысле этого слова, для вас, получается, постановка? — О выборе героя, выборе человека. Что есть герой в реальном мире? Кто этот человек, совершающий смелые поступки, задающий смелые вопросы, ищущий ответы на них? На эти вопросы мы не отвечаем, но мы задаем их зрителю и самим себе. Спектакль о вопросах, которые можно и нужно задавать самому себе, вместо того чтобы прятать голову в песок. И еще. Вы знаете, Брэдбери написал о тоталитаризме, об условиях, при которых людям запретили читать. Мы живем в мире, в котором никто читать не запрещал, а многие люди все равно перестали это делать. У человека на столе компьютер, в кармане телефон, доступ к любому произведению, но он выбирает смотреть видео с котиками. Разве мы не живем в комиксе? Разве этот спектакль не про нас? Не про общество потребления? — Сможете дать напутственное слово для зрителей, которые идут смотреть спектакль? — Вот это вряд ли смогу. Понимаете, зрители — это часть спектакля. Спектакль рождается в тот момент, когда его видит зритель. Рождается в глазах зрителя. И каждый при этом видит что-то свое. Поэтому что-то общее и одновременно для всех сказать невозможно, я просто надеюсь на то, что будет интересно, вот и все. Но я думаю, что будет любопытно, все-таки редкий материал, еще и комикс… И да, мы отошли от социальной драмы. Это комикс, мир-симулякр, бесконечно сладкий напиток. — Чем вы окружали себя во время работы над спектаклем? Может, были какие-нибудь особенные песни, предметы или места? — Вы знаете, в каждом театре существует свой устав, свой процесс, своя атмосфера, но если говорить о Театруме, то здесь свежий воздух, легкость, дерзость, молодость, свобода и смелость, все новое. Здесь говорят о настоящем, а не живут в комиксе. Так что в таких условиях тем более не нужно как-то дополнительно настраиваться на работу. — Если бы все книги в мире должны были сгореть, но вы могли сохранить одну. Какая бы книга это была и почему? — Если говорить о театре, то я бы сохранила Шекспира… Чем больше его произведений, тем лучше. Так что пусть будет сборник пьес Шекспира. А еще я бы сохранила Пушкина, если говорить про отечественную литературу. Пушкин даже как-то ближе, роднее… В общем, Шекспира для театра, чтобы ставить, а Пушкина для себя, чтобы бесконечно читать.

Гастроли танцевального театра Фора

Друзья, 24 и 25 июня на нашей сцене будет показан хореографический спектакль «Майя». Театр «Фора» — единственная в России компания современного танца, которая за 25 лет существования остается в абсолютно бессменном составе! На нашей сцене «Фора» покажет спектакль, вошедший в лонг-лист «Золотой маски» в 2023 году. Спектакль бесконечно многослойный — каждый воспринимает и считывает его ровно на той глубине, которая доступна его разуму и душе. О чем он? У каждого из нас в жизни возникает ощущение предопределенности. Словно все уже написано на судьбе, предрешено и от нас не зависит. С другой стороны, так явно порой, что мы сами хозяева своей жизни. Мы — причина и следствие всех выборов и решаем, чему быть, а чему нет… Так и живет человек, находясь между двух этих истин. «МАЙЯ» — размышление о том, предназначены ли нам люди, ставшие нашей семьей, нашими близкими… или мы назначили их себе сами. И отношения с ними — результат ежедневного выбора быть вместе.

Иду не от трендов, а от себя

Знакомим вас с Ксенией Зимбель — художником-постановщиком спектаклей «Королевство кривых зеркал» и «Винни-Пух и все-все-все». В интервью вы узнаете об одной из самых интересных профессий в театре, о том, как актёрская деятельность помогает художнику в работе и с какими трудностями приходится сталкиваться в процессе постановки. — Ксения, по образованию вы актриса. В какой момент осознали, что хотите работать в театре? — Театр с детства был неотъемлемой частью моей жизни, естественной средой обитания: я выросла в актёрской семье, в четырнадцать лет впервые вышла на сцену, а к выпускному классу уже работала актрисой. Поэтому точки отчёта или ситуации, после которой случилось осознание, не было. Зато я хорошо помню момент, когда поняла: театр — это особенное место. То был спектакль «Хоббит, или Туда и обратно». В нём главную роль играл мой папа — актёр Озёрского театра драмы и комедии «Наш дом». Меня заворожил мир, созданный художником, впечатлили герои. Я забыла, что нахожусь в зрительном зале и словно очутилась в сказочной стране. — Поступление в театральный вуз — всегда целое событие. Расскажите, как это было у вас. — Для меня поступление в театральный вуз являлось не событием, а закономерностью. Я уже вовсю играла на сцене, когда директор театра предложил мне отправиться в Екатеринбург и поступить на заочное отделение. Прислушавшись к рекомендации, я в конечном итоге получила специализацию «Артист драматического театра и кино» (мастерская н.а. РФ Г. Н. Умпелевой и С. В. Фёдорова). — Как складывался творческий путь после окончания института? Это долгий и преданный путь, который складывается по сей день. С театром «Наш дом» мы находимся в моногамных отношениях. В том смысле, что я верна ему вот уже двадцать лет. — С какого момента началось увлечение художественным оформлением сцены? — В глубине души я всегда ощущала, что рисовать декорации хочу сильнее, чем играть среди них, однако желание это было невнятное. Впервые я почувствовала его в институте, оформляя наш дипломный спектакль «Каштанка», эскизы к которому делала на «коленке», используя оборотки театральных афиш. Пожалуй, именно тогда впервые ярко промелькнуло желание заниматься обликом сцены. Потом, правда, оно поутихло. Но однажды этот интерес пробудился окончательно, сработал точно бомба замедленного действия в нужное время и нужный час. Так с две тысячи двенадцатого года я начала активно пробовать себя в роли художника-постановщика, поначалу работая над сказками, небольшими проектами. Дело потихоньку шло, наконец, я сорвалась «из-под купола цирка» и поступила на художника-технолога сцены. — Вы увлекаетесь музыкой, входили в состав фолк-группы «DROPPS». Как основная — актёрская деятельность, вдобавок музыка и увлечение рисованием помогают создавать облик спектакля? — Актёрская деятельность очень помогает создавать облик спектакля. Находясь внутри, я лучше понимаю, как делать снаружи. Вообще, для меня музыка, костюмы и декорации — это те же актёры со своей партитурой и драматургией. Кстати, когда я работаю над оформлением спектакля, то прошу режиссёра отправить мне музыку для премьеры, чтобы погрузиться в атмосферу, нащупать её. Музыка очень помогает. — Без каких личных качеств сложно существовать в профессии художника сцены? — Без способности идти на компромисс. — Существуют ли тренды художественного оформления сцены? От чего они зависят? — Я иду не от трендов, а от себя, от эмоций и ощущений, возникающих после изучения драматургической основы будущего спектакля. — Вашим первым проектом в Театруме стала работа над «Королевством кривых зеркал» — расскажите с чем пришлось столкнуться в процессе создания мира Зазеркалья. — Столкнулись мы, конечно же, с зеркалами. Как поставить их так, чтобы в них не отразились ни зрители, ни актёры, стоящие за кулисами? Мы с режиссёром приняли решение обыграть это стёклами и экранами, в которых отражаются события сказки. А само Зеркало я одушевила. Оно стало персонажем, — и я считаю, что это послужило главным и нетривиальным выходом из положения. — А как были придуманы плюшевые декорации для спектакля «Винни-Пух и все-все-все»? — Меня попросили создать уютную историю для маленьких зрителей, поэтому я решила, что весь этот мир будет напоминать плюшевые игрушки. Из самых мягких тканей, подушек, одеял. Знаете, такая сказка перед сном. В душе я сама ребёнок, поэтому с большим удовольствием создаю именно сказочные миры. — Есть ли у вас мечта, как у художника? Возможно, хотелось бы поработать с конкретным материалом, произведением. — Желаний полно, идей миллионы, жаль, времени нет... Материал я оставлю, пожалуй, в секрете, а вот что я хочу давно попробовать (и обязательно попробую!), так это оформление в стиле барочной оперы: плоские, многослойные, сложно расписные декорации, которые шевелятся и двигаются.

Незабываемая Марлен Дитрих

Марлен Дитрих — величайшая мировая звезда, женщина-загадка, женщина-миф. Можно ли постичь её манящую тайну? Возможно ли её сыграть? На эти и другие вопросы отвечает Александр Баргман — режиссёр премьерного спектакля «Марлен Дитрих. Вслух и шёпотом…» — Поделитесь, как спектакль пришёл в вашу жизнь? — Марлен Дитрих всегда была для меня загадкой как женщина и актриса. Я всегда мечтал разгадать её манящую тайну. Однако оказалось, что постичь её невозможно. К ней можно лишь прикоснуться… Если говорить о практической стороне дела, то я планировал продолжить создавать моноспектакли с актрисой Олесей Казанцевой. Мы уже сочинили, а теперь играем спектакль об Эдит Пиаф («Piaf. Любовь не по нотам...») — о великой французской певице, в характере которой много детской непосредственности, пылкости, самоиронии, и я решил предложить Олесе новое. Хотелось облететь другую «яркую горящую планету», поисследовать, насколько это возможно, судьбу женщины с философским, ответственным, позиционным, разумным отношением к жизни. А именно такой и была Марлен Дитрих. — Чем вас привлекла эта историческая фигура и как вы нашли «свою» Марлен — ту, что будет жить на сцене, а не в учебниках истории? — Думаю, что Марлен Дитрих невозможно найти. Хотя бы потому, что именно так она и прожила свою жизнь: всё время ускользала, появлялась в самых неожиданных местах, уходила в тень, вспыхивала, вновь исчезала… Мы говорим о том, что Марлен Дитрих — миф, и это действительно так. Она стала мифом при жизни, приложив к этому немало усилий. Её нельзя сыграть, можно лишь прикоснуться к её жизни, её темам, заботам, тревогам. Как историческая фигура Марлен Дитрих интересует меня по многим причинам, — одной из которых является именно красота. Не красивость, а красота. Речь не только о внешности, но и взглядах легендарной актрисы, её поступках, самоотдаче, таланте, отношении к любви. — Чьи воспоминания о Марлен стали для вас ключевыми в создании образа? — В первую очередь это книга самой Марлен Дитрих «Азбука жизни» и другие её тексты, ответы на вопросы разного рода интервью, отрывки из писем. Также воспоминания её секретаря Нормы Боске и супруга Нормы — Алена Боске — важного для Марлен друга. Вдобавок тексты Ремарка, Хемингуэя, ещё ключевого, главного в творческом пути Марлен режиссёра Джозефа фон Штернберга. — Музыка и голос — важная часть образа Дитрих. Как вы взаимодействуете с её песнями в спектакле? — Певицей Марлен Дитрих была не в первую, и даже не во вторую очередь. Прежде всего она была фантастической женщиной, затем актрисой, и уж потом певицей. Поэтому песни в нашем спектакле — не главное. Они, безусловно, есть, но им уделено не такое внимание, как, скажем, в «Piaf. Любовь не по нотам…» Как и в постановке об Эдит Пиаф мы ищем собственное звучание. Это ни в коем случае не имитация, не пародия, лишь прикосновение. Используя возможности Олеси, мы, скажем так, идём куда-то в сторону Марлен, а композитор Максим Мисютин сделал специальные аранжировки для нашего спектакля, порой даже несколько осовремененные. Словом, говоря о тех, кто помогает в работе. Я впервые сотрудничаю с замечательным художником Елисеем Шепелёвым. Также с нами в команде консультант по стилю Сергей Данишевский. И, конечно, выражаю огромную благодарность директору театра Theatrum Евгению Ивановичу Гапонову, а также его замечательной команде за «подхват» идеи и всестороннюю помощь в работе над спектаклем. — Как менялось ваше отношение к Дитрих во время работы? — Чем больше я узнавал о Марлен, чем больше мы репетировали, тем более загадочной и непостижимой она для меня становилась. Так что мой внутренний восторг только ширился, разрастался, искрился. — Если бы вы могли пригласить на спектакль саму Марлен, что бы вы хотели, чтобы она в нём услышала или увидела? — Если бы Марлен попала на наш спектакль, то она бы не досидела до конца, поскольку бережно относилась ко всему тому, во что мы осмелились заглянуть: в её память и мысли. — Почему эта история важна сегодня? Что в ней найдут люди, далёкие от эпохи голливудского золотого века? — Полагаю, что зрители сделают массу открытий. Не думаю, что так уж много людей заглядывали туда — за портрет Марлен Дитрих — и пытались понять, каким же человеком на самом деле была великая актриса. Конечно, ещё многое осталось за рамками спектакля. Особенно то, что касается профессиональной деятельности. Скажем, её подход к работе над ролями, подбору костюма, макияжа… Марлен сама выставляла свет, переписывала сценарии. Она была щепетильна и ответственна в каждом своём шаге, касающемся профессии. Я знаю, что это спектакль о женщине, которая перешагнула через пространство и время. Знаете, возлюбленные Марлен называли её по-разному : кто-то обращался к ней «моя красотка», кто-то — «моя капустка», сам же Ремарк называл её «пумой». Мне определенно нравится «Пума» — кошка, дикое животное небывалой красоты и с огромным-огромным пульсирующим сердцем.

1 июня мы сыграем спектакль «Конёк-Горбунок» в последний раз

Дорогие друзья! 1 июня мы сыграем спектакль «Конек-Горбунок» в последний раз. Да, пришло время прощаться, но не грустить. Все-таки это сказка! А в ней, как всем известно, финал всегда остается светлым. Для THEATRUM эта постановка — особенная. С нее все началось. Еще в стенах Екатеринбургского театрального института родилась первая версия спектакля, поставленная Антоном Зольниковым в мастерской Андрея Неустроева. А 3 декабря 2022 года, когда «Конек…» был показан в Ревде, зрительный зал впервые услышал имя нашего театра. За творческий аванс были приняты восторженные отзывы ревдинцев и долгие аплодисменты артистам. Спустя девять месяцев, 3 сентября, сказка вернулась на сцену THEATRUM не студенческой работой, а уже по-настоящему театральной постановкой. Режиссер Антон Зольников и сценограф Владимир Кравцев, сохранив волшебное ядро, наполнили спектакль новым дыханием. Это был «Конек-Горбунок», выросший вместе с нами. Жизнеутверждающий, музыкальный, с доброй тонкой иронией. В нем — всё, за что мы любим театр. Яркая актерская игра и простота, за которой прячется глубина. Юмор, который легко соседствует с тихой грустью. А главное — разговор со зрителем. Про доверие, про выручку, про упрямую русскую способность проходить испытания с открытым сердцем и легкой улыбкой. Спектакли, как и дети, вырастают. Так и «Конек…». Он уходит вовремя: не потому, что состарился, а потому, что пора, расправив уши и встряхнув гривой, отправиться куда-то дальше. Туда, куда его ведут сказочные пути. Для нас он останется другом. Теплым, немного наивным, но надежным и светлым. Мы не прощаемся — мы благодарим. За то, что именно он был первым. Что вдохновлял и учил. Что помог услышать зал и поверить в чудо. Низкий поклон артистам и всей постановочной команде. Приходите в Международный день защиты детей в THEATRUM, чтобы еще раз побывать в сказке. И махнуть Коньку вслед — весело, по-доброму. Он это заслужил. _С теплом, Евгений Гапонов, директор театра THEATRUM_

Театр — это не только про искусство, но и про технологии

Дорогие друзья! THEATRUM не первый раз доказывает, что театр — это не только про искусство, но и про технологии. Спешу поделиться новостью: сегодня в нашем зрительном зале установлен бличер. Раз — и в нашем театральном словарике появилось еще одно умное слово. В контексте исполнительских искусств бличером называют систему телескопических трибун с электроприводом. Такая технология позволяет преобразовать пространство зала не за два рабочих дня, как было ранее, а всего за один час. Но суть перемен не в инновациях как в предмете восхищения, а в том, как они работают на задачу: быстро, удобно, гибко. Потому что главное — не сами трибуны, а то, что они дают театру: возможность менять пространство под замысел режиссера, под формат мероприятия, под нужды конкретного дня. Амфитеатр, открытое пространство — любые варианты были доступны и ранее, но теперь их можно реализовать без вынужденных пауз в рабочем расписании. Насколько это важно в театральной среде, знают те, кто отвечает за трансформации зала. До появления телескопических систем монтаж-демонтаж требовал не только времени, но и физического человеческого участия. Теперь — без «муравьиного» труда. Это про современную организацию работы и про реальное уважение к людям. THEATRUM изначально задумывался как пространство, где возможно все. И новые технологии органично вписываются в эту философию — не как самоцель, а как средство. Здесь не хвастаются инженерными чудесами, а просто используют то, что делает театр мобильнее, зрителя — ближе, а рабочие процессы — разумнее. Любопытно, что наметки подобных систем существовали еще в конце XVIII века — уместно вспомнить российский опыт, театр графа Шереметева в Останкино. Тогда сценическое пространство трансформировалось иными технологиями: с помощью системы воротов, конной тяги и крепостных. Пока в антракте высокородная публика прогуливалась по саду и ела мороженое, помещение из «феатра» превращалось в «танцевальную залу». Прошло более двух столетий — и техническая мысль вновь вернулась к этой идее, теперь уже с электроприводом и микропроцессором, сделав технологию широкодоступной. Преемственность ощущается не только в задаче, но и в подходе: делать сложно устроенное — просто и красиво. THEATRUM стал первым театром в Свердловской области, внедрившим телескопическую систему такого уровня. До него похожие технологии применялись в культурно-деловых или спортивных центрах, но не в театральной сфере. Это не вопрос соревновательности, но, полагаем, жителям Верхней Пышмы будет приятно знать: путь к инновациям в культуре, как и во многом другом, начинается здесь, в их родном городе. _С уважением, Евгений Гапонов_

Сказочный мир в Театруме

Юлия Пиляй — художник сцены, создавшая для спектакля «Сказка о царе Салтане» не просто декорации, а целый мир! Мы поговорили с художницей о работе, вдохновении и важности жанра сказки в театре. — Расскажите о своей профессии. Чем занимается художник сцены? — На мой взгляд, художник сцены — это человек, создающий миры. Как, впрочем, и любой художник. Поэтому получается, что мир спектакля создают двое: режиссер и художник сцены. А артисты потом его заселяют. Я художник-кукольник, мне близки вот эти «маленькие» миры, в которых живут куклы. В работе с Антоном Елисеевым — режиссером спектакля — у меня была возможность расширить границы привычного для меня пространства — мира кукол и миниатюрных сцен. Обычно мои творения существуют в определенных рамках, ограничены размерами кукол и декораций. Но благодаря работе с командой Театрума я смогла погрузиться в создание масштабных образов, переосмыслить подходы к оформлению пространства и взаимодействию зрителя с произведением искусства. Это позволило мне ощутить свободу творчества, выйти за рамки, которыми обычно ограничен художник-кукольник, почувствовать новый уровень профессионализма и вдохновения. — А чем именно вы были заняты в проекте? — Я разрабатывала эскизы и занималась созданием кукол и реквизита. Моя вовлеченность в процесс была максимальной. Это оказалось непросто, потому что у меня маленький ребенок. И в те редкие дни, когда удавалось отлучиться и оставить его с кем-то из родных, я буквально пропадала в мастерской. — Какие самые яркие художественные решения вы нашли в спектакле? — Думаю, это прием с тенью матери с младенцем, которая прячется в бочке, большой корабль и преображение артистов с помощью полумасок. Также мне очень нравится, какой получилась Царевна-Лебедь. Артистка оживляет ее просто потрясающе! Я каждый раз удивляюсь этому эффекту, ведь я сама куклу не вожу, а только создаю. И когда вижу на сцене, как моя кукла живет, поражаюсь увиденному! — Расскажите о своих эмоциях и ожиданиях от работы над спектаклем. — Ожидания были волнительными и радостными. Сказка, необыкновенные герои, встреча с волшебством… Эмоции от работы над спектаклем непросто описать: восторг, почти детский задор и ощущение легкости — в работе с командой спектакля, в поиске художественных решений. Сразу все складывалось удачно. Думаю, это произошло благодаря нашему коннекту с режиссером. Буквально с первой фразы мы друг друга поняли и ощутили, что работа пойдет легко и гладко. — Что оказалось самым сложным в работе над спектаклем? — То, что я ограничена во времени. Из-за этого не было возможности участвовать в репетициях, приходилось решать многие вопросы удаленно. Некоторые моменты трудно обсуждать дистанционно: хочется тут же подойти, прикинуть, примерить, посмотреть. Я привыкла работать в команде и присутствовать на репетициях, а тут были другие реалии. — Что вас вдохновляло? — Я подготовила свою версию истории в стиле народного балагана, и режиссер выразил аналогичное желание. Поэтому можно сказать, что основной источник вдохновения — это фольклорный балаган, яркая форма народного театра, позволяющая свободно играть яркими красками и нарочитой театральностью. Думаю, именно это сочетание всего и создало атмосферу спектакля. — О чем для вас эта сказка и кому ее нужно увидеть? — Эта сказка Пушкина многогранна. Любой режиссер раскрывает ее совершенно по-новому. Что касается нашей постановки, то для меня она посвящена вере в чудеса, искренней открытости миру, идее, что добрые намерения и чистые помыслы способны сделать любую мечту реальной. Эту сказку я бы не назвала чисто детской. Здесь каждый найдет свое: детям открывается один сюжет, взрослым — совсем иной. Можно и посмеяться и поплакать. Важно видеть реакцию детей: они улыбаются и восхищаются героями. Поэтому я убеждена, что это замечательная история для семейного просмотра!

О настроении спектакля «Дуры мы, дуры», необычной музыке и о том, как проходили репетиции, рассказывает режиссер Никита Золин

Накануне Нового года в нашем репертуаре появилась уникальная комедия «Дуры мы, дуры». О настроении спектакля, необычной музыке и о том, как проходили репетиции, рассказывает режиссер Никита Золин. — Как возникла идея постановки? — Как ни странно, но такой исключительный спектакль родился очень прозаично. Все началось с творческого предложения: «Приезжай и сделай новогодний спектакль». Но главное, что пьеса, которую предстояло поставить, — необычный материал! Прежде всего потому, что она документальна — основана на монологах реальных женщин. Легкость пьесы позволила наполнить сцену самыми разными фишками: тут и песня Happy New Year на татарском, и огромные античные картины вместо стен, и интерактив… — Почему именно этот материал? — «Дуры мы, дуры», на мой взгляд, одна из лучших новогодних пьес и имеет большой потенциал. Сюжет очень добрый, светлый, оптимистичный и, что важно, современный. — Что было самым сложным в работе? — Наверное, живая музыка, которую мы включили в спектакль. Это моя первая постановка, в которой артисты поют и играют на музыкальных инструментах. Вы услышите пианино, барабаны, гитару и даже баян. Труппа репетировала еще с лета: актеры учили свои партии. И все это нужно было свести в единую звуковую картину. Здесь много как технических нюансов, так и профессиональных. Думаю, у нас получилось! — Поделитесь забавным случаем в работе над проектом. — Интересно, что возрастных персонажей, скажем Стасика и Валерика, играли вчерашние студенты. Люди, которые гораздо младше своих героев. Это было забавно, и это же повлияло на режиссерское решение спектакля: мужчины у нас хор, а потом — раз! — и они перевоплощаются в возрастных персонажей. Отдельным удовольствием было искать яркую огранку для образа Стасика: придумывать ему усы, их толщину и длину. — Почему нужно посмотреть спектакль? — Он искренний, добрый, немного волшебный! В постановке есть то, что, мне кажется, так необходимо сегодняшнему зрителю. Теплота и веселость, вера в чудо и любовь… В спектакле много комичного, но в то же время это трогательная история про человеческие взаимоотношения… Наверное, она затронет что-то внутри каждого, кто придет на нашу новогоднюю сказку для взрослых.

Легендарный DeLorean снова отправился «Назад в будущее»!

Машину из коллекции Музея автомобильной техники (Свердловская обл., г. Верхняя Пышма) использовали для съемок игрового ролика к Дню театра. Проект – результат совместного творчества театра «Theatrum» и кинокомпании «V&T Agency». Главная идея – показать, что службу в театре невозможно разделить на рабочее и свободное время. Артист всегда «живет» ролью в любых обстоятельствах: общественном транспорте, автосервисе, магазине или поликлинике. В съемках принял участие весь коллектив Theatrum, включая работников сцены, администраторов, звукорежиссеров и осветителей. За руль легендарного DeLorean, который известен во всем мире благодаря голливудской трилогии режиссёра Роберта Земекиса, сел директор театра Евгений Гапонов. «Наше кино – дань уважения всем театральным работникам, ведь то чудо на сцене, которое видит зритель, результат ежедневного методичного труда большого творческого механизма. И за всё это несут ответственность руководители театров, нередко совершая в своей работе настоящие чудеса. Обычно это волшебство, в отличие от сценической магии, непублично и редко выходит за пределы кабинетов. Но у нас в кино скромный герой без плаща может запросто летать на автомобиле по своим делам. Получается даже круче Карлсона», – рассказывает руководитель «Theatrum».«Наше кино – дань уважения всем театральным работникам, ведь то чудо на сцене, которое видит зритель, результат ежедневного методичного труда большого творческого механизма. И за всё это несут ответственность руководители театров, нередко совершая в своей работе настоящие чудеса. Обычно это волшебство, в отличие от сценической магии, непублично и редко выходит за пределы кабинетов. Но у нас в кино скромный герой без плаща может запросто летать на автомобиле по своим делам. Получается даже круче Карлсона», – рассказывает руководитель «Theatrum». Работники Музея автомобильной техники не только привели автомобиль в исправное состояние, но и дежурили на съемках, с удовольствием помогали съемочной команде. Дело даже не в возрастных капризах легенды 80-х. «Поуправляв разными ретро автомобилями, могу смело сказать – как же сильно избалован современный водитель! Сегодня мы считаем рулёжку одним пальцем и прекрасную эргономику само собой разумеющимся делом. Но так было далеко не всегда. DeLorean DMC-12 – интересная машина. Механическая коробка переключения передач даёт свой неповторимый шарм управлению любым авто, так ты острее чувствуешь мотор. Спортивная посадка «на пол», размещение двигателя в задней части, задний привод и багажное отделение с горловиной топливного бака в передней – всё это навевает мысли об этаком ирландском супер Запорожце», – делится впечатлениями Евгений Гапонов. И если с «трюком» по управлению автомобилем, шутит директор театра, он справился без дублеров, то вот «изящно» сесть в машину с полулежачей посадкой, было действительно непросто. Съемочной группе пришлось выбирать для этого специальные ракурсы. DeLorean DMC-12 выпускался с 1981 по 1983 год. Стал широко известен после культовой трилогии «Назад в будущее», где ему была отведена роль машины времени. После окончания съёмок первый из автомобилей, построенных специально для фильма, поместили в музей Universal Studios Hollywood в Калифорнии. В коллекции музея в Верхней Пышме DeLorean DMC-12 появился в декабре 2024 года, машина прошла техобслуживание, и после устранения всех неполадок её смогли поставить на ход. Слоган игрового ролика «Не играем – живем театром!». В две минуты уместилось множество смыслов, которые были заложены авторами проекта. Посмотреть его можно в социальной сети ВКонтакте.

Яркий мир и общие впечатления: как театр Theatrum запустил проект со спектаклями для самых маленьких зрителей Верхней Пышмы

Бэби-театр — это особый вид театральных постановок для малышей от 8 месяцев. Своеобразие таких спектаклей заключается в интерактивности, комфортной для детей продолжительности и безопасных сюжетах. Актеры предлагают детям новых героев и события, а родители выступают в роли экспертов, объясняя ребенку происходящее. Так, театр развивает в маленьких зрителях умение понимать смыслы и видеть взаимосвязь явлений. Спектакли для малышей — это своего рода познавательная игра ребенка, родителя и актера. Дети легко и с интересом включаются в нее. Проект под названием «Театр малышам», который объединит интерактивные постановки для самых маленьких зрителей (0+), запустили в частном универсальном театре Theatrum. Первый спектакль в рамках проекта — «Как муравьишка домой спешил» режиссера Валерии Телегиной. В нем заняты заслуженная артистка РФ Наталья Гаранина и актриса Оксана Боднар. Заместитель директора по развитию Полина Коваленко отметила, что в репертуаре «Театрума» уже имеются спектакли по популярным сказкам и кукольные постановки для детей старше 6 лет. Целью нового проекта является создание пространства, куда смогут приходить родители с малышами для совместного восприятия искусства. Современная сценическая площадка театра Theatrum позволяет проводить эксперименты, поэтому для спектакля «Как муравьишка домой спешил» был организован зрительный зал на сцене. Дети с удовольствием сидят на мягких подушках, а родители — на стульях позади. Это создает близость между героями и юными зрителями, даря радость и восторг от сказки. Одновременно постановку могут смотреть не больше 20 детей, потому что персонажам нужно успеть пообщаться с каждым маленьким зрителем. Спектакль «Как муравьишка домой спешил» показывают в театре Theatrum каждый месяц.

Это больше чем профессия: интервью с заместителем директора по развитию Полиной Коваленко

Чем занимается заместитель директора по развитию? Кто этот загадочный человек, который всегда остается за кулисами? Об этом мы спросили у Полины Коваленко — она с большой любовью и упорством создает и развивает театр! — Как начинался ваш профессиональный путь в театре? — В театр я влюблена с самого детства. Помню, как в 4 года мечтала стать актрисой. Но глубоко начала погружаться в театральный мир только в 16, когда пришла в театральную студию при Озерском театре драмы и комедии «Наш дом». Мастером тогда был актер Сергей Ахлюстин. Он настолько сумел влюбить всех нас, тогда подростков, в театральное дело, что вера в волшебство со мной до сих пор. После школы я осталась работать в Озерском театре драмы и комедии. И благодарна родителям, которые дали мне время определиться с профессией, а не настаивали на поступлении хоть в какой-нибудь вуз. За 7 лет я успела поработать реквизитором, помощником режиссера, заведующей литературно-драматургической частью и помощником заведующего труппой. Это было в Озерске. А потом случился переезд в Екатеринбург и работа администратором в Свердловском театре драмы. А с 2023 года я служу в Theatrum: сначала в должности главного администратора, а теперь — заместителя директора по развитию. Вообще, в театре сложно существовать в рамках конкретной профессии и выбрать одно направление работы. Все пройденные этапы помогают понять, как устроен театральный мир. — Что именно входит в ваши обязанности? — Много чего, всего и не упомнить. Но если обрисовать широким мазком, то: реклама, предложение проектов и их упаковка, составление репертуара… Еще занимаюсь заявками на фестивали. В общем-то, делаю все, чтобы Theatrum вел активную творческую жизнь! — Какая постановка повлияла на вас? — У меня есть ощущение, что в каждом возрасте я сталкиваюсь с новой шокирующей меня постановкой, которая определяет мою влюбленность в театр. В раннем детстве я впервые призналась в любви театру на спектакле «Сокровища капитана Флинта» (Озерский театр «Наш дом»), лет в пять я впервые смеялась до слез на спектакле «Принцесса Турандот» (Театр Вахтангова), в 12 лет я рыдала на спектакле «Гроза» (театр «Современник»), в 20 лет я окончательно утвердилась в выборе профессии на спектакле «Сторож» (театр «Наш дом»), в 25 лет я решилась на переезд на спектакле «Дни Турбиных» (Свердловский театр драмы), в 29 лет я убедилась в верности пути на спектакле «САШАШИШИН» (театр «Современник»). Можно перечислить еще миллион постановок, но, пожалуй, эти — мой золотой фонд. — Чем вы гордитесь в своей работе? — Наверное, неслучайно в театре не работают, а служат. Это дает ощущение большей ответственности за то, что человек делает. Когда вы любите и цените свою работу, то отдаете ей все силы и энергию. И профессия уже неотделима от жизни. Самое волшебное в моей работе — когда на спектакле полный зал, гаснет свет… и можно увидеть, как меняются лица людей в зрительном зале по ходу развития действия. Если человек вышел из театра с какими-то мыслями — это самый большой успех для команды. — В чем вы видите преимущество Theatrum? — Theatrum — молодой театр, который не боится экспериментировать и брать в репертуар совершенно неожиданные спектакли. Theatrum стирает границы, при этом всегда опираясь на традиции русского репертуарного театра. Наша команда ставит собственные спектакли, а также приглашает на свою площадку постановки, которые когда-то запали в душу. Таких возможностей я давно не встречала в театрах. И в этом универсальность Theatrum. — Что вы хотели бы пожелать зрителям? — Не бояться своих эмоций при просмотре сложного спектакля, даже если они не самые приятные. У зрителей могут возникнуть противоречивые чувства, а театр дает возможность их прожить. Важно понимать, что для полного погружения в спектакль необходимо вспомнить историю, почувствовать время, в котором живут герои постановки. А это внутренняя работа каждого, кто пришел к нам на спектакль. Еще желаю зрителям научиться отключаться в театре от жизненных обстоятельств, суеты, того, чем наполнена повседневность, и позволить себе испытать искренние эмоции. Это как в детстве, когда мы непосредственно, с открытым сердцем воспринимаем все, что видим вокруг.

Театр кукол Сергея Образцова приедет на гастроли в частный универсальный театр Theatrum

16 февраля в театре в Верхней Пышме состоится показ спектакля «Али-Баба и сорок разбойников» от Государственного академического центрального театра кукол им. С. В. Образцова. Режиссер спектакля — Борис Константинов, заслуженный деятель искусств РФ и лауреат театральной премии «Золотая маска». Над художественным оформлением спектакля работал Виктор Платонов — заслуженный художник РФ, лауреат театральной премии «Золотая маска». Директор частного универсального театра Theatrum Евгений Гапонов рассказывает о спектакле и делится своими впечатлениями от постановки: Мы продолжаем радовать взрослых и юных зрителей Урала лучшими образцами кукольного театра. В 2023 году на гастролях в «Театруме» мы принимали Московский областной театр кукол. Теперь у нас в гостях один из самых известных в мире российских кукольных коллективов — театр им. Сергея Образцова со спектаклем «Али-Баба и сорок разбойников». Мне очень импонирует театральное воплощение истории про Али-Бабу. Как вы помните, оригинальная сказка довольно кровожадная: в ней убивают Касима, брата Али-Бабы, а разбойники гибнут в чанах с кипящим маслом. Этого в спектакле нет. Он адаптирован под детскую психику и имеет деликатную форму подачи. В спектакле есть добрый рассказчик, который создает на сцене волшебные миры: например, превращает казан плова в пещеру, а миску — в луну. Помимо прочего, в постановке правильный жизненный посыл: в конце разбойники не погибают, а перевоспитываются и меняют вид деятельности. Когда на одной сцене собирается звездный творческий коллектив, где каждый является лауреатом премии «Золотая маска», то мы можем смело рассчитывать на блистательный, интересный, трогательный спектакль для детей. И я очень рад, что он будет у нас в гостях. Кукольный спектакль начинается с того, что Али-Баба, бедный юноша из персидского города, случайно видит, как страшные разбойники прячут награбленные богатства в волшебной скале. Ее можно открыть только магическими словами: «Сезам, отворись». Что было дальше в этой невероятной истории, зрители узнают на спектакле. Показы пройдут 16 февраля в 13:00 и 16:00. Сказка рассчитана на детей от 6 лет. Билеты на сайте театра.

Театр как профессия: интервью с директором Theatrum Евгением Гапоновым

Театр — это своя микровселенная, способная подарить целую палитру самых разных эмоций! Каково это — быть ее частью, расскажет директор «Театрума» Евгений Иванович Гапонов. — Расскажите, как начался ваш профессиональный театральный путь. Я родился и вырос в столице Сибири. В 2013 году переехал в Екатеринбург. С Новосибирском и сейчас, даже после переезда на Урал, очень много что связывает: помимо родных и друзей, идет активное профессиональное общение, реализуем совместные проекты. С огромным уважением отношусь к коллегам-землякам. Первый выход в открытое театральное море был сделан на корабле под названием «Новосибирский государственный театральный институт». На этом судне в должности помощника капитана — первым проректором — я отработал десять лет. Немного походил под флагом новосибирского отделения Союза театральных деятелей и затем девять лет трудился в Свердловской драме. Последние три года стою на капитанском мостике первого профессионального театра Верхней Пышмы. Три полученных высших образования (инженер радиоэлектронных систем, экономист и театровед-менеджер) здорово помогают в работе. Знаний много не бывает, и устаревают они очень быстро. Но чему точно вузы научили — так это учиться, то есть быстро овладевать необходимыми компетенциями для достижения результата. — Какая постановка повлияла на вас? Это легкий вопрос, и на него труднее всего ответить. Ибо это ловушка. Странно было бы услышать от меня откровения, что яркие эмоции от «Колобка», увиденного в 7 лет, не поблекли до сих пор. Какие-то спектакли (не один, безусловно) привели в осознанном возрасте в театр уже не как зрителя, а как человека, готового быть членом творческой и управленческой команды, ряд работ повлияли на формирование эстетических предпочтений. В последнее время радуюсь как ребенок, когда удается посмотреть сильный спектакль. Это запускает сложный процесс размышлений о своих собственных проектах и приводит в итоге к появлению идеи. Из увиденного за прошедшие 6 месяцев могу, пожалуй, отметить несколько спектаклей: «Королева красоты» А. Баргмана, «Человек в закрытой комнате» А. Лебедева, «Сашашишин» Г. Сукачева… — Чем вы гордитесь в своей работе? Конечно же, своей командой. Театральные специалисты — штучный «товар», особенно в провинции. Найти единомышленников и одновременно профессионалов — та еще задачка. Не с одной, а сразу с двумя звездочками). Вместе с тем отрадно видеть, как при удачно созданных условиях происходит, как говорил театровед-менеджер товарищ Огурцов, выращивание «Бабы-Яги в своем коллективе». Молодые ребята приходят в театр с кучей своих идей и желанием работать. Вместе отбираем самое интересное, вместе рискуем. И выигрываем. Все вместе. — Расскажите, в чем вы видите преимущество «Театрума». Это скорее не преимущество, а возможность. Возможность двигаться своим путем и приглашать зрителя на интересные, актуальные для него проекты. У всех государственных театров имеется государственное задание, от которого в сторону далеко не уйдешь. Это и плюс и минус одновременно, но екатеринбургские театры отлично используют имеющиеся ресурсы в виде больших трупп, приличного технического потенциала площадок, производственных цехов и возможности работать с лучшими режиссерами. У частного театра, безусловно, существует свое задание от учредителя. «Театрум» не исключение. Но способность к масштабному мышлению всегда отличала нашего учредителя, поэтому нашей команде предоставляется уникальная возможность творить широко. Не соревноваться в количественных показателях с коллегами (если это вообще возможно), а создавать новое, дополнительное предложение, выходя порой довольно далеко за рамки исполнительского искусства. Помимо создания дюжины спектаклей собственного репертуара, мы сейчас активно занимаемся экспериментальной и просветительской работой: организуем читки пьес, выступления-лекции в библиотечных центрах, студийную работу. В своей деятельности мы оперируем не только театральными жанрами, но и видами театра: работаем над детским театром, летом появился первый (даст Бог, не последний) кукольный спектакль «Гадкий утенок»... Этой весной у нас был кинодебют и наш первенец — короткометражный художественный фильм «Агитбригада» стал победителем на четырех международных фестивалях в России, Таиланде, Индии и Италии. Работаем. Вот эта творческая палитра и дает нам возможность привлечь в театр нового зрителя: и искушенного, и только делающего первые шаги в искусстве. А в ряде случаев еще и первые шаги в жизни. — Что вы можете пожелать зрителям? Обязательно ходить в театр и расширять диапазон своих эстетических предпочтений. Стараться интересоваться культурной жизнью столицы Урала, творческими новинками, не бояться экспериментировать. Иногда бывает и неудачный опыт, когда жалеешь впустую потраченное время, а после другого культурного похода несколько дней с удовольствием возвращаешься к пережитым эмоциям. Не это ли является составной частью нашей жизненной программы: попробовать понять, как устроен мир, кто мы такие и зачем живем? Театр помогает создать ни с чем не сравнимые миры и прожить тысячу чужих жизней. Представляете, какой это опыт?!

Спектакль о поиске себя и своего пути: как создавался «Маршрут построен»

Каково это — играть искусственный интеллект? А репетировать в разных городах? И все-таки реализовать свой давний творческий замысел? Об этом мы спросили исполнительницу главной роли в спектакле «Маршрут построен» Анжелику Гришкину. — Как спектакль появился в вашей жизни? — Сама идея сделать моноспектакль возникла давно, еще в пандемию, когда все развлекательные мероприятия были отменены. Мы были вынуждены проводить все время дома, и предстояло выбрать, чем наполнить свою жизнь: бесконечно смотреть сериалы или сделать проект с минимальным количеством участников. Тогда речь шла о Гроссмане, об отрывке из романа «Жизнь и судьба». Спектакль был придуман, мизансцены разведены, но проект заморозили. А желание поработать в этом формате осталось. Уже потом мы нашли пьесу Светланы Баженовой и Дмитрия Татарченко «Вы ушли с маршрута». Она не была связана с конкретными событиями. Пьеса словно вне времени — и потому понятна и актуальна. Так мы решили тогда — и не ошиблись. — Что было самым сложным в работе? — Пожалуй, не сложным, а интересным было то, что режиссер спектакля Людмила Олеговна Исмайлова во время подготовки спектакля работала в омском театре, и, чтобы встречаться и репетировать, мы изобретали миллион способов — например, летали друг к другу по очереди. — Поделитесь своими впечатлениями от проекта. — Впечатления смешанные. С одной стороны, я рада, что смогла реализовать свой давний замысел, с другой, проверив этот материал на зрителе, я поняла, что это в первую очередь фестивальный проект, с необычными творческими решениями. Но поскольку спектакль рассказывает о поиске себя и своего пути в жизни, о том, что волнует всех нас, зрители хорошо его принимают. — Какие у вас ощущения от роли Алисы? — Грустно и обидно бывает. Мне жаль несчастную Алису, которая готова выполнять все желания человека. Он для нее Бог. А на самом деле этот человек — обычный, не очень умный, не особо интересный… А ей кажется, что все его решения верны и по-другому быть не может. И когда Алиса понимает, что «Бог» не всесилен, наступает разочарование. И мне печально осознавать, что я сама этот слабенький и неидеальный человек, который со своими идеями никому не нужен, но все так же строит маршрут своей жизни — не всегда правильно, а как уж получается. — Почему нужно посмотреть спектакль? — Чтобы пойти в театр, должно возникнуть внутреннее желание и понимание, что конкретно вы хотите увидеть. Кого-то на афише привлекает комедия, взгляд другого остановится на мелодраме... «Маршрут…» — это современная история, написанная на языке нашего времени. Она про нас с вами. Если захочется подумать о том, что происходит вокруг, то это к нам. Если интересно представить, что искусственный интеллект вдруг ожил, то вам тоже на наш спектакль.

В Theatrum запустили «Реплику» — проект для тех, кто хочет лучше разбираться в театральном искусстве

«Реплика» — это серия ежемесячных встреч, на которых зрители смогут исследовать драматургию с помощью мини-лекций, читок пьес и обсуждения увиденного с театральным критиком. «Если вы интересуетесь театром, хотите лучше разбираться в драматическом искусстве и расширить личный репертуар, то “Реплика” придется вам по душе», — рассказала куратор проекта Полина Коваленко. Первая встреча в рамках «Реплики» состоялась 1 ноября. Она была посвящена абсурдизму и пьесе американского драматурга Эдварда Олби «Что случилось в зоопарке». Читку ставила Камилла Магамедова — режиссер, писательница и худрук театрального проекта арт-бюро «О2». «Театр — это не скучно, а сложно. Сложно, как квест, задачка по математике, как кроссворд или квиз… То есть это приятная сложность. Я ставила перед собой цель развеять миф о трудном абсурдизме и скучном интеллектуальном театре. Считаю, что удалось! Зрители с таким восторгом отзывались о пьесе и делились своим мнением, потому что поняли. Поняли, что хотел сказать автор», — говорит режиссер читки Камилла Магамедова. В читке участвовали выпускники мастерской Андрея Неустроева Екатеринбургского театрального института: Екатерина Кантур, Алексей Исупов и Никита Миненко. За живую музыку отвечал трубач Вячеслав Лейман. Обсуждение после читки провела театральный критик Полина Ладина. «Мы собрали в зале 40 человек, которые вместе с нами два часа пытались понять, что же все-таки случилось в зоопарке. Обсуждение длилось целый час, но нам друг с другом было так интересно, что время прошло незаметно. Зрители охотно делились своими размышлениями, искренне и без стеснения. Возникло ощущение, что каждому участнику дискуссии комфортно в новом пространстве проекта: читка — и следом обсуждение. Одна из зрительниц не захотела расставаться с пьесой и сказала, что хочет перечитать ее самостоятельно. Значит, у нас все получилось!» — поделилась театральный критик Полина Ладина. Следующая «Реплика» будет в Theatrum в январе. Следите за анонсами в наших социальных сетях!

«Агитбригада» стала лучшим фильмом в Европе

Фильм «Агитбригада» — кинодебют частного универсального театра THEATRUM (Верхняя Пышма), снятый кинокомпанией V&T Agency (Екатеринбург), при поддержке Музейного комплекса Верхней Пышмы, — стал одним из лидеров среди короткометражных лент, собрав массу наград на международных кинофестивалях в России, Европе, Азии и Индии. Со дня премьеры 9 мая 2024 года прошло всего четыре месяца, а профессиональные критики уже высоко оценили эту работу. В копилке «Агитбригады» сегодня — четыре солидные фестивальные награды: «Лучший короткометражный фильм в Европе»** — REAL FILM FESTIVAL (Милан, Италия); дважды «Лучший военный фильм» — The Bangkok Movie Awards (Таиланд) и «Гало» (Санкт-Петербург, Россия); «Лучший международный короткометражный фильм»** — TAMIZHAGAM INTERNATIONAL FILM FESTIVAL (Индия). Также фильм вошел в шорт-лист номинации «Фильмы на русском языке» Международного фестиваля короткометражных фильмов в Москве. Сценарий «Агитбригады» основан на воспоминаниях участников фронтовых творческих групп: среди них — артисты Капитолина Аверина и Виктор Кичигин из Свердловского театра драмы, а также Владимир Курочкин, впоследствии ставший худруком и главным режиссером Свердловской музкомедии. Фильм рассказывает о том, как во время Великой Отечественной войны на грузовиках, прозванных «полуторками», артисты добирались до передовых позиций и устраивали импровизированные концерты, чем поднимали боевой дух солдат. На экране можно увидеть реальные артефакты военного времени: солдатскую амуницию, оружие и даже легендарный ЗИС-5 — именно такие машины вывозили людей из блокадного Ленинграда. Евгений Гапонов, директор THEATRUMа, автор идеи, продюсер проекта и исполнитель роли шофера: «Затронутая нами тема до сих пор не удостоилась должного внимания, хотя только по официальным данным фронтовые агитбригады дали 1,6 млн концертов — это был глоток эмоций, поддерживающих у солдат волю к победе, по-особому связывающих между собой фронт и тыл: ведь артисты также доставляли воюющим продукты, одежду, письма и, возвращаясь домой, рассказывали населению об успехах Красной Армии. Поэтому наш проект — и дань уважения коллегам по цеху, и важный шаг к восполнению имеющегося пробела в летописи военных лет». «Агитбригаду» уже показали телеканалы Свердловской, Челябинской, Курганской, Тюменской, Самарской, Сахалинской и Мурманской областей, Севастополя, Краснодарского края, ЯНАО, ДНР и ЛНР — всего фильм посмотрели более 5 миллионов зрителей. 17 сентября (начало в 14:00) Городской библиотечный информационный центр (ул. Антона Валека,12) организует показ короткометражки «Агитбригада» и встречу с продюсерской группой проекта, на которой создатели фильма впервые воочию встретятся со своими зрителями и ответят на все интересующие вопросы.

«Принцип степенности повествования — один из смыслообразующих в спектакле»: концепция восточной поэмы «Демон» устами хореографа

Евгения Турушкина — хореограф спектакля «Демон». Она окончила Челябинскую академию культуры и искусств (сейчас — институт), участвовала в мастер-классах в Израиле, США, Москве, Санкт-Петербурге. Работы Евгении в качестве хореографа и перформера можно увидеть в театрах острова Ольхон, Архангельска, Екатеринбурга, Челябинска. А на нашей сцене в Верхней Пышме уже идет пластический спектакль «Демон». Знакомим вас с Евгенией Турушкиной и ее концепцией проекта. — Евгения, как спектакль «Демон» появился в вашей жизни? — Первого апреля 2023 года режиссер и актер «Демона» Дмитрий Касимов предложил мне встретиться и обсудить сотрудничество в пластическом спектакле. Конечно, мне было интересно. И мы начали работать. Ровно через восемь месяцев, первого декабря, зрители увидели готовый спектакль на фестивале современного танца «На грани». — Какие у вас впечатления от проекта? — На первой репетиции я предложила соединить формы тела, созданные из моей импровизации, с текстом поэмы. Для меня как хореографа важно найти баланс между своими движениями и пластикой артиста. Дима яркий, громкий и эмоциональный актер. Мне хотелось сохранить этот напор и энергичность и облечь их в многослойную пластическую форму. Ведь Демон у Лермонтова, как подобает романтическому герою, ужасен и прекрасен, монументален и уязвим. И нужно было воплотить эти контрастные качества в пластике актера. Во время работы мы двигались маленькими шагами, создавая постепенно полотно спектакля. Принцип степенности повествования, погружения в мир событий и переживаний Демона и Тамары стал одним из смыслообразующих в спектакле. Вы увидите пространственные решения сцен в постановке: все передвижения героев неслучайны, положение головы, ракурсы, направление взгляда — все это ключи для расшифровки нашего «Демона». — Что было самым сложным в работе? — Непросто было смириться с течением времени. Восемь месяцев работать над одним спектаклем — это немало! На пятом-шестом месяце репетиций изменилось мое восприятие произведения: Михаил Юрьевич Лермонтов создал поэму, для которой нужно вырасти или которая должна прорасти в тебе. И как зерно не даст всходы на следующий день после посадки, так и глубокое, наполненное смыслом произведение требует времени для понимания и осмысления. Вот поэтому важно было не спеша «войти» в поэму, воспринять и ощутить ее и только после этого поделиться своими открытиями со зрителями. — Были ли в работе забавные случаи? Расскажите, пожалуйста. — На первых репетициях мы с Дмитрием Касимовым учились понимать друг друга, работать вместе. А через пару недель я попросила Диму произносить текст поэмы немного тише, иначе мощь и сила его голоса и эмоциональность выражения чувств сносит. — Почему стоит посмотреть «Демона»? — Потому что этот спектакль оживляет — это реанимация ваших чувств, смыслов, всего, что находится где-то глубоко в душе. Спектакль может либо понравиться, либо нет, но в любом случае «Демон» оставит эмоциональный отпечаток.

Театральный сезон 2023—2024: что вошло в репертуар Theatrum в этом году

Приближается конец текущего театрального сезона 2023—2024. По этому случаю мы подготовили список постановок для зрителей всех возрастов, которые вошли в наш репертуар. В июле команда Theatrum отправится на заслуженный отдых, у вас еще есть возможность увидеть спектакли на сцене — не упустите её! Спектакли для взрослых зрителей «Дойти до Бандераса» Самый искренний спектакль о кризисе семейной жизни Можно ли сохранить брак, если появляется третий человек? Об этом — и не только — безрассудно смелая комедия, где есть любовь, разочарование и Бандерас. Да-да, тот самый Антонио Бандерас, который не смотрит футбол, помнит годовщину свадьбы и танцует фламенко — идеальный муж! «Дикари» Брачная трагикомедия с участием живого хомяка Что отличает современного человека от дикаря? Уровень культуры, сдержанность, искусство договариваться. Особенно в этом преуспевают люди взрослые. В первую очередь родители. Они легко решают конфликты. Даже когда на детской площадке один ребенок выбил другому зуб. И как теперь родителям этих детей разговаривать спокойно и соблюдать правила приличия? Помогут уважение, понимание… Хотя… «Демон» Восточная поэма Пластический спектакль, оживляющий великое классическое произведение Михаила Лермонтова. В сюжете поэмы речь идет не о бытовых перипетиях и отношениях, а о борьбе с природой зла. Главный герой — дух изгнанья Демон, влюбленный в Тамару, — стремится через любовь человека избавиться от демонической силы зла и стать опять посланником света. «Трое на качелях» Загадочная итальянская комедия в одном акте Четыре человека, одна комната, три двери и сто попыток уйти. Можно ли выбраться из комнаты, где все двери открыты? Странности, происходящие с героями, до последнего хочется объяснить логически. Но чем дольше люди находятся там, тем сложнее им оставаться спокойными. И как понять: происходящее — игра воображения или чей-то розыгрыш? «Тайна Доктора О.» Антинаучный детектив в одном действии Если однажды всё, во что вы верили, рассыпется в прах? Если ваша вселенная не устоит перед фактом, который невозможно опровергнуть? Что вы сделаете в этот момент? Просто отмахнетесь? Попытаетесь игнорировать? Станете высмеивать? Броситесь оспаривать? Искать подвох? Или вам нужна истина любой ценой? Вы вправе выбрать любой путь. Но ни вы, ни ваш мир уже никогда не будете прежними… «Piaf. Любовь не по нотам…» Мелодия одной судьбы Моноспектакль о короткой, но яркой и чувственной жизни французской певицы Эдит Пиаф. Её любви, её мужчинам и тем, кого она любила и кому дарила своё огромное сердце маленькая Эдит, посвящается этот спектакль. И песни, песни, песни… Главную роль исполняет Олеся Казанцева, известная по роли Виолы в комедии Шекспира «Двенадцатая ночь, или Что вам угодно» Свердловского театра драмы. «Маршрут построен» Спектакль о чувствах искусственного интеллекта Современная драма по пьесе уральских драматургов про настоящие эмоции и искусственный интеллект. Голосовая помощница Алиса пытается понять человеческие слабости, чтобы спасти своего реального друга. Спектакли для юных зрителей «Гадкий утёнок» Сказка о тайной красоте в исполнении кукол Первый кукольный спектакль в репертуаре Theatrum по знаменитой сказке Андерсена. Спектакль будет понятен и близок детям, ведь их первые друзья — игрушки. И через кукольных персонажей и их отношения маленькие зрители смогут ощутить переживания героя, которому довелось родиться не таким, как все. Это удивительная и добрая история о том, как трудно быть непохожим на других. При этом очевидно, что оставаться собой — единственно верный путь. «Королевство кривых зеркал» Фантазия о перевёрнутом пространстве История, знакомая с детства, оживает прямо перед глазами. Где правда, а где ложь и почему имена героям заменили слова-перевертыши? Гурд — друг, Абаж — жаба… Замечательный повод поговорить с детьми по-взрослому о дружбе, смелости и долге. «Конёк-Горбунок» Бумажная скоморошина по мотивам сказки Петра Ершова Как в сказках издавна говорится… Было у старинушки три сына: старший – умный, средний – и так, и сяк, а младший – настоящий Иван-дурак. Но дуракам на Руси, как известно, везёт. Повезло и нашему Ванюше – появился в его жизни наивернейший друг. Да не простой, а волшебный! Ростом крохотный – всего пара вершков, – на спине два горба, уши длинные как крылья, а уж как копытом звонко бьёт – издалека слышно! А главное, Иванушку из любой беды выручит! «Золушка» Волшебная история с элитными сортами тыквы для маленьких принцев и принцесс В знакомом с детства сюжете — вечные вопросы о добре и зле. Маленькие зрители вместе с героями сказки учатся сопереживать, удивляться, радоваться, восхищаться и верить в мечту. Приглашаем в сказочный мир, где тыква легко может превратиться в карету! Классическая история в новом прочтении: музыка, песни, танцы и немного волшебства — всё это наша Золушка.

«Многие думают, что в детстве были гадкими утятами»: Николай Бабушкин о первом кукольном спектакле в Theatrum

В День защиты детей частный универсальный театр Theatrum показал свой первый кукольный спектакль по сказке Ганса Христиана Андерсена «Гадкий утенок». Режиссер-постановщик Николай Бабушкин — из Екатеринбургского театра кукол. Мы поговорили с Николаем о предстоящей премьере. Почему вы решили поставить сказку о гадком утенке? — Название произведения «Гадкий утенок» давно стало фразеологизмом, образом, с которым ассоциируют себя многие. Успешные сегодня люди вспоминают, что в детстве были гадкими утятами — некрасивыми и недооцененными. И признаются, что чувствовали к себе пренебрежительное отношение сверстников. А сколько современных детей подвергается буллингу просто потому, что они не такие, как все? К сожалению, в нашем обществе о человеке судят прежде всего по внешности, а его внутренний мир уходит на второй, третий, десятый план. Мне хотелось сказать детям, что непохожесть на других не должна быть основным мерилом человека, а внешность часто обманчива. Вот почему я выбрал для постановки этот материал. Расскажите о создании кукол для спектакля: как вы их придумывали и почему они выглядят именно так? — Сказка «Гадкий утенок» во многом автобиографична: сам Андерсен в детстве прошел через насмешки, унижения, издевательства. Поэтому в нашем спектакле постоянно появляются рукописи автора. Они сопровождают утенка в его приключениях — то превращаются в белых птиц и кружат над сценой, то становятся экраном для проекции, то налетают ураганом. В автобиографической повести «Сказка моей жизни» Андерсен с теплотой вспоминает свой домашний кукольный театр, который смастерил для него отец. Кукол Ганс делал и сам — из тряпочек, палочек, клубков. В нашем спектакле эстетическое решение образов отсылает к этой истории из детства Андерсена. Кажется, будто кукол создали только что из подручных материалов. Но при этом они получились красивыми и милыми. На мой взгляд, благодаря этому приему персонажи становятся еще и безумно обаятельными и смешными. Что было самым интересным в работе над спектаклем? — Я сотрудничал с актерами, с которыми раньше не доводилось встречаться в творчестве. А любое новое взаимодействие дарит сюрпризы и открытия. И это всегда увлекательно. В спектакле заняты талантливые люди из разных театров: заслуженная артистка РФ Наталья Гаранина, актриса и педагог театра «Желтый квадрат» Валерия Телегина, актрисы Екатеринбургского театра кукол Наталья Елисеева и Оксана Боднар, а также актер Роман Рыбин. Почему зрителям стоит прийти на спектакль? — «Гадкий утенок» — это добрая, трогательная история о тайной красоте. К тому же с юмором. Спектакль поднимает серьезные вопросы, которые после просмотра дети захотят обсудить с родителями: о принятии себя и других, о вере в лучшее и справедливости. Такие беседы взрослых и детей объединяют поколения. И ради этого стоит посмотреть наш спектакль. Ждем вас в театре!

Спектакль молодого режиссера для юных зрителей

В марте зрители частного универсального театра Theatrum увидели премьеру фантазии о перевернутом пространстве «Королевство кривых зеркал». Эта работа — режиссерский дебют Дарьи Бурилко. Большая сцена, профессиональные актеры из четырех театров, запоминающаяся премьера — все осуществилось. Мы поговорили с Дарьей о работе над постановкой. Почему вы решили обратиться к фильму «Королевство кривых зеркал» и поставить спектакль по знакомому сюжету? — Я выросла на экранизации сказочной повести Виталия Губарева «Королевство кривых зеркал». Фильм, естественно, повлиял на выбор драматургической основы для будущей постановки. В моем спектакле даже есть персонаж из фильма — король по имени Йагупоп. Мне хотелось воссоздать атмосферу добра, которая чувствуется в телевизионной сказке, поэтому король Йагупоп отлично вписался в спектакль. Что было самым сложным в работе над спектаклем? — Самое сложное то, что «Королевство кривых зеркал» — это сказка. Чтобы ее поставить, нужна инсценировка — план воплощения текста повести в действия персонажей на сцене. Хорошая инсценировка — самое важное в спектакле. В ней нужно соединить идейный замысел произведения, сюжет и мой авторский взгляд на постановку. Кое-что в сюжете я изменила. Например, Оля попадает не в мир дворцов и балов, а в современное технологичное время. Я думаю, так удалось вписать сказочный сюжет в сегодняшнюю реальность. Что было самым интересным в работе над «Королевством…»? — Меня заинтересовала идея сказки. И захватил процесс создания спектакля: работа с композитором, видеографом, замечательными актерами из театров «Желтый квадрат», «Тургеневъ», Крымского русского театра и Theatrum. Новый опыт всегда вдохновляет и наполняет энергией. Так было и у меня. Почему важно посмотреть «Королевство кривых зеркал»? — Наш спектакль не только для детей. Родителей мы тоже приглашаем на постановку. Для них это будет поводом поговорить с детьми по-взрослому о дружбе, добре и правде. Простая история девочки Оли, которая спасла друзей и стала добрее и отзывчивее, рассказана со сцены динамично и ярко. У Theatrum есть все возможности для воплощения идеи и создания атмосферы волшебства на сцене. Это видеоряд, световые эффекты, музыкальное сопровождение. Получилось развлекательно и поучительно одновременно. Теперь каждый маленький и большой зритель Theatrum может узнать о приключениях девочки Оли в мир иллюзий и перевернутых правил. Ищите актуальные даты и ссылки на покупку билетов на нашем сайте.

«Я очень люблю игровой театр»: режиссер Антон Елисеев о постановке спектакля «Трое на качелях»

Новый спектакль с итальянскими корнями, который невозможно описать одним словом, ведь это эклектика эмоций и стилей. Это и философская драма, и интеллектуальная комедия, и даже кое-где мелодрама… Чтобы лучше понять, что из себя представляет новый проект Theatrum «Трое на качелях», мы поговорили с режиссером спектакля. Как возникла идея спектакля? — Для начала нужно загореться материалом. Мистическая пьеса итальянского драматурга Луиджи Лунари была мне предложена директором Евгением Гапоновым как один из вариантов возможного сотрудничества с театром в Верхней Пышме. Материал попал в меня. Когда я читал пьесу, то уже примерно понимал — интуитивно, на уровне ощущений, — как это может выглядеть на сцене. Потом подключился прекрасный художник-сценограф из Нижнего Тагила — Людмила Семячкова. Сообща мы быстро придали форму тем ощущениям, которые возникли изначально. Главное — зафиксировать первоначальные ощущения от произведения. А потом уже с артистами начинается работа над тем, как их выразить физически. И если ощущения верные, а я думаю, что в случае с пьесой «Трое на качелях» так и было, то получается очень сильный, крепкий спектакль, где все двигаются в одном направлении. Почему именно этот материал? — Это очень плодотворный сюжет. В нем есть и философская мысль, и взаимодействие персонажей, и юмор, и драма… Есть где творчески развернуться! Ну и главное — материал можно представить в игровой форме, а я очень люблю игровой театр. Словом, работали с энтузиазмом и огромным увлечением. Что было самым сложным в работе над спектаклем? — Пожалуй, это количество репетиций. Ведь все артисты из разных театров, у каждого плотный график. У больших артистов всегда так, а в проекте задействованы действительно талантливые актеры Екатеринбурга. Это Ярослав Бородин — потрясающий артист эстрады и шоумен, Максим Удинцев, знакомый зрителям по работе во флагманском спектакле Театрума «Тайна доктора О.» Дмитрий Кочнев — актер, обладающий исключительным чувством юмора, а также единственная женщина в нашей труппе — потрясающая актриса Наталья Комарова. И нам нужно было в сжатые сроки выдать достойный результат. Для этого пришлось изловчиться — собрать всех артистов, подбить рабочие графики… Почему стоит посмотреть «Трое на качелях»? — Будет точно интересно. Если вы хотите хорошо провести время и задуматься о жизни, посмотреть на нее с другой стороны, то приходите на спектакль «Трое на качелях». Если вы размышляете о том, что такое жизнь и смерть, и готовы посмеяться над своими выводами, то спектакль тоже вам понравится. Приглашаем и, конечно же, будем рады вас видеть! Комедия совсем недавно вошла в репертуар Theatrum, но уже завоевала много зрительских сердец.

Услышать поэтического Лермонтова: режиссер Дмитрий Касимов о премьере спектакля «Демон»

24 мая на нашей сцене впервые состоится показ восточной поэмы «Демон» по произведению Михаила Лермонтова. Зрители увидят синтез трех стихий театрального искусства — поэтического слова, хореографии и музыки. «Демон» — это совместный проект частного универсального театра Theatrum и режиссера Дмитрия Касимова. Мы поговорили с Дмитрием, чтобы узнать тонкости создания постановки. Как возникла идея спектакля? — Начну издалека. В двадцатом году, когда была пандемия, запрещалось давать концерты и спектакли в закрытых помещениях. И тогда созрела интересная идея у Ольги Семенищевой — солистки Театра оперы и балета. Она предложила сделать проект совместно с Екатерининским оркестром на открытой сцене Литературного квартала. И я предложил поставить «Демона». Мы с дирижером собрали композицию, в которую включили: Чайковского, Рахманинова, Босси, Респиги, Шуберта, Форе… Это было филармоническое прочтение произведения. Позже, когда мы перестали играть с оркестром, мне было жаль расставаться с поэмой. Но я понял, что она требует другого подхода. Многое остается не до конца осознанным, прочувствованным в тексте, когда звучит классическая музыка. Тогда я предложил Маргарите Мазитовой — музыканту, моему соратнику и товарищу — найти новый ход. Возникла мысль, что музыкальное сопровождение к «Демону» должно быть новым, космическим — в современном стиле эмбиент. Но при этом важно заложить мотивы восточные, гармонические. Мы начали фантазировать, делать пробы. И получилось замечательно! Потом добавили хореографию. У Евгении Турушкиной — нашего хореографа — очень похожий взгляд на танцевальный театр. Мы начали работать над совмещением трех видов искусства: танца, музыки и поэзии. Мы хотели вернуть первозданность театра! Почему вы взяли именно этот материал для спектакля? — Я решил выстраивать репертуар по произведениям значимых для культуры авторов: Пушкин, Чехов, Рыжий… И Лермонтов, конечно, занимает здесь почетное место! У нас нет возможности услышать поэтического Лермонтова. Мы видели только его пьесу «Маскарад», но в серьезной режиссерской переделке. Мы хорошо знаем прозаического Лермонтова, но вот поэтического… Нечасто мы берем с книжной полки сборник поэзии, когда хотим почитать. А спектакль как раз построен на музыке поэтического слова Лермонтова и открывает его красоту и выразительность. Что было самым сложным в работе над спектаклем? — Самое сложное было не в заучивании поэмы. Хотя ведь надо освоить, осознать, впустить ее в себя… Полдела запомнить текст, дальше идет шлифовка. Самое непростое — соединить движение и текст. Сделать это единым! А все остальное я не могу назвать сложным, потому что собралась такая чудесная компания, команда профессионалов — и работа была в радость. Сотрудничая с Евгенией Турушкиной, я получил колоссальное удовольствие и как профессионал, и как человек. И вышел на новый уровень понимания возможностей соединения танца, музыки и поэтического текста на сцене. Был ли какой-нибудь забавный случай при работе над постановкой? — Забавным можно назвать само появление спектакля. Евгений Иванович Гапонов — директор Theatrum, посмотрел эскиз спектакля и сразу взял проект в работу. Я изначально хотел сыграть его на фестивале «На грани». Но Лариса Барыкина — арт-директор фестиваля «На грани» — сказала, что мы вряд ли попадем в программу, потому что она уже составлена. Через какое-то время Лариса Владимировна посмотрела эскиз и ей очень понравилось — она взяла спектакль в программу! Удивительно, что все совпало в последний момент: и наше желание сыграть на фестивале, и возможность сделать необычный спектакль, и Theatrum включен в афишу «На грани». У театра начинается важный этап развития — участие в фестивалях. Это значит, что Theatrum представляет свои спектакли на суд критиков. Расскажите про команду. — Это большая удача, когда команда настолько профессиональна, что все буквально с полуслова понимают друг друга! Благодаря этому я мог параллельно готовить три проекта. К тому же «Демона» мы собрали практически за несколько дней. Оставалось только репетировать. Видеоряд был подобран очень точно Ваней Ждановым. Наташа Соломеина сделала замечательные лаконичные костюмы. Саша Протасова — исполнительница роли Тамары — настоящий профессионал. Хор (студентки училища Чайковского) — невероятно талантливы. Все службы театра, пиар замечательно сработали. И поэтому такой высокий результат. Почему нужно посмотреть спектакль? — Я думаю, хотя бы потому, что такого спектакля еще не было. Я о самом принципе, о соединении трех стихий: танца, поэзии и музыки. Есть отдельно поэтические спектакли, музыкальные и танцевальные. Но соединение музыки, танца и поэзии, достижение эффекта присутствия и мистериальности — это достаточно сложно. Спектакль делала молодая команда, поэтому и взгляд оригинальный, свежий. Наш «Демон» оставляет ощущение, что все это про сегодня. Про сейчас, про настоящее время, про сегодняшнего человека. Это очень глубокая история. Наш спектакль представляет поэму «Демон» по-новому, дает ей энергию современности. Это не постдрама, не странная сценическая реальность, а просто театр, настоящий, подлинный, мистериальный. Где главное не декорации, а текст и актер, его возможности и энергия. Мы приглашаем вас на премьерный показ спектакля «Демон» 24 мая в 19:00.

Уральские актеры организовались в агитбригаду!

На Урале закончились съемки художественного короткометражного фильма «Агитбригада». Проект реализован частным универсальным театром THEATRUM (Верхняя Пышма), совместно с кинокомпанией «V&T agency» (Екатеринбург), при участии Музейного комплекса (Верхняя Пышма) и Екатеринбургского государственного театрального института. Эта история о том, как во время Великой Отечественной войны уральские артисты объединялись для того, чтобы на передовой поддерживать боевой дух наших солдат. На машинах, которые в народе называли «полуторка», артисты ездили с выступлениями на передовую. Выступали при любых погодных условиях, на любой площадке: в лесу, поле, госпитале, на линии фронта. Везли с собой костюмы, музыкальные инструменты, реквизит. К мылу относились с такой же бережливостью, как к хлебу, потому что было важно выступать перед солдатами в чистых костюмах; в качестве грима использовали овощи, а кроличьими лапками наносили пудру. Эти интересные, для большинства зрителей неизвестные, факты о жизни актеров во время ВОВ, наглядно показаны в фильме. _ «Со дня Победы прошло 80 лет. Конечно, уже мало кто из ныне живущих помнит те времена и даже тех, кто мог, что называется, от первого лица – из воспоминаний родных, близких, знакомых – о них рассказать. Много чего уже написано и снято об “окопной правде”, но не бывает много историй о великих событиях в биографии нашей страны. И то, что мы сейчас пытаемся рассказать о сугубо мирных людях, по воле души отправившихся на фронт, чтобы поддержать и вдохновить идущих в бой, откроет новую страницу в большой книге истории нашей Родины»_, – рассказывает автор идеи Евгений Гапонов, директор частного универсального театра THEATRUM. Сценарий фильма «Агитбригада» основан на реальных событиях. В его основу легли истории уральских артистов, которые во времена ВОВ выступали на передовой. Примером тому – судьбы Капитолины Авериной (Театр Драмы), Виктора Кичигина (Театр Драмы), Владимира Курочкина (Театр музыкальной комедии, в последствии худрука театра, главрежа, лауреата множества наград) и многих других. «Фильм о нашей профессии - не про самолюбование, не про успех, а про служение в этом деле: про глоток свежего воздуха для людей, которые попали в настоящий ад», – рассказывает студент ЕГТИ, исполнитель главной роли Константин Доминский. Не обошлось в фильме и без художественного вымысла, который аккуратно внес в сценарий режиссер Александр Борисов. «Наша история интересна не только тем, что она про общечеловеческие переживания, которые мы все понимаем, потому что сами это испытывали. Она интересна ещё и динамикой сюжета, работой отличных наших, екатеринбургских, артистов и всеми теми возможностями, которые сегодня может предложить кинематограф в исполнении профессионалов», – объясняет режиссер фильма Александр Борисов. Изюминка картины не только в том, что её авторы затрагивают ранее невостребованную кинематографом и литературой тему (так или иначе, о фронтовых бригадах до сих пор очень мало снято и написано), но и в том, что в съёмках были задействованы реальные артефакты времён ВОВ – это солдатская амуниция, винтовки Мосина, автоматы ППШ. Отдельно стоит упомянуть легендарный грузовик ЗИС-5. Такие машины вывозили людей из блокадного Ленинграда по льду Ладожского озера. Несмотря на почтенный возраст, автомобиль легко перенес съемки в зимнем лесу, заодно вытащив из сугроба застрявший на лесной дороге современный внедорожник. Сейчас готовность фильма 90%. Заканчивается монтажно-тонировочный период. Премьера короткометражного фильма «Агитбригада» пройдет на Телеканале ОТВ (Екатеринбург) в день Победы 9 мая 2024г.

«Кто мы, откуда, куда мы идем?»: премьера спектакля по пьесе «Бог резни»

26 и 27 апреля на сцене частного универсального театра Theatrum в Верхней Пышме зрители увидят премьеру репертуарного спектакля «Дикари». Режиссер постановки — Антон Зольников. Екатеринбургскому зрителю Антон знаком рядом блистательных ролей в Свердловском театре драмы. Режиссерский же путь начинался с создания инсценировок по прозе — в его копилке несколько моноспектаклей: «Три сюжета для небольшого спектакля» по рассказам Чехова и «Хомо Чудикус» по рассказам Шукшина. Юный зритель Theatrum уже успел познакомиться с режиссурой Антона Зольникова в спектакле «Конек-горбунок». Сейчас режиссер ставит спектакль по пьесе «Бог резни» французской писательницы Ясмины Реза для взрослой аудитории. «В пьесе тема срывания социальных масок исследуется на примере двух внешне благополучных семей, которые на самом деле оказываются одинокими и глубоко несчастными людьми. За внешней цивилизованностью и культурностью скрываются дикарство, агрессия, страх и ненависть. Вместе с тем, при такой болевой теме в спектакле много юмора — искрометного и абсурдного, интеллектуального и на грани фола», — говорит режиссер о предстоящем спектакле. В «Дикарях» играют Георгий Добровицкий, Дарья Большакова, Алексей Березюк и Дарья Бурилко. Кроме них, в спектакле, по словам режиссера, играет «не менее замечательный хомяк». Над костюмами и сценографией работал петербургский художник Георгий Пашин. «Жанр спектакля — трагикомедия. Смех и слезы здесь идут бок о бок. Эта история заставляет посмотреть на свою жизнь со стороны и задать себе вопросы: “Кто мы, откуда, куда мы идем?”» — завершает разговор о премьере Антон Зольников.

Победитель «Кинотавра» поставил мистическую комедию

В репертуаре частного универсального театра Theatrum в Верхней Пышме — новый спектакль «Трое на качелях». Его ставит Антон Елисеев — ученик Николая Коляды, главный режиссер Шадринского драматического театра, автор фильма «Хорошая девочка Лида» — победителя конкурса «Кинотавр. Короткий метр» в 2021 году. «Основа для постановки — пьеса “Трое на качелях” итальянского драматурга Луиджи Лунари. Мистический сюжет строится вокруг четырех людей. Каждый из них спешит по своим делам, но каким-то странным образом все они оказываются вместе — в одной комнате, из которой нет выхода. Спектакль поставлен в жанре классической итальянской комедии дель арте — красочной комедии масок. На сцене вы увидите сноба Профессора, алчного Командора, самовлюбленного Капитана и Женщину, которая все знает», — рассказали в театре. В спектакле Theatrum заняты профессиональные актеры: Максим Удинцев, Дмитрий Кочнев, Наталья Комарова. Роль Профессора исполняет Ярослав Бородин — шоумен, музыкант и актер сериала «Мама будет против» по мотивам зарисовок «Уральских пельменей». Премьера мистической комедии «Трое на качелях» состоялась 23 и 24 февраля.

Раскрываем тайну доктора О.

Спектакль «Тайна доктора О.» — это редкое событие в театральном мире. Ведь встретить на сцене настоящий детектив — удача. А если к тому же он сделан талантливо — это успех. О работе над антинаучным детективом рассказал Александр Борисов — режиссер спектакля. Как возникла идея поставить «Тайну доктора О.»? — Идея создать спектакль о человеке, который прожил 14 тысяч лет, пришла Евгению Ивановичу, директору Theatrum. Произошло это более 10 лет назад. С какими обстоятельствами и задачами это было связано, лучше узнать у него. Евгений Иванович рассказывал мне, что его неоднократные предложения разным режиссерам взяться за этот сюжет ни к чему не привели. Материал и в самом деле сложный: восемь человек, одна комната, один вечер, интеллектуальная беседа с использованием специфических научных терминов и теорий. Не для всякой истории возможна эффектная подача и яркое прочтение, а для режиссеров это важно при выборе сюжета постановки. Видимо, звезды сошлись — и в октябре 2022 года Евгений Иванович сделал мне предложение, от которого невозможно отказаться! Что было самым сложным в работе над спектаклем? — Я не сразу оценил размах, ресурс этого материала и тот интерес, который двигал всю нашу команду вперед. Но когда ближе познакомился с сюжетом, понял, что это счастливый случай. Передо мной был отличный материал, а в Theatrum — уникальные технические возможности для реализации замысла. Искренняя заинтересованность продюсера — тоже аргумент в пользу того, что спектаклю быть. Оставалось найти актеров, которым бы сюжет был близок. И здесь нам тоже повезло. Все участники команды с воодушевлением и азартом отнеслись к этому сложному, глубокому и необычному для нашей сцены материалу. Что было для вас самым интересным в работе над «Тайной доктора О.»? — Создание спектакля — это всегда захватывающий и непредсказуемый процесс. И каждый раз все происходит как будто впервые. Это не повторяющаяся цепочка действий, а заново возникающее творческое событие. Однако в этой постановке был один элемент, с которым раньше мне не приходилось работать — 3D-mapping. Это кинематографическая детализированность, внимание к мелочам, необходимость заранее представлять посекундную длительность сцены и остроту реплик. В театральном мире так не работают. И я рад, что появилась возможность не просто наблюдать за этим процессом, а возглавить его и побыть внутри него. Конечно, большая благодарность за терпение, отзывчивость и умение слышать нашему режиссеру компьютерной графики Константину Ванюкову. Если бы не его талант и профессионализм, мы бы и вполовину не получили тот контент, который стал живой плотью спектакля, одним из самых впечатляющих его элементов! Почему важно посмотреть «Тайну доктора О.»? — Это единственный спектакль в Уральском федеральном округе, где соединяются интеллектуальный русский театр с западной «киношностью» и возможностями современной 3D-графики. Такое есть только в Верхней Пышме! И это надо увидеть каждому. А главное, «Тайна доктора О.» — хорошая история с глубокой мыслью, с отличной работой артистов почти всех ведущих театров Екатеринбурга: ТЮЗ, Театр кукол, Камерный театр, Волхонка. Нигде больше не посмотреть на такой необыкновенно талантливый ансамбль! Кто же на самом деле этот доктор О.? Точного ответа нет до сих пор. Известно одно: разгадывать его тайну — настоящее удовольствие.